2019央美毕业季丨“洞见新百年”艺术青年第三期：物里悟外
2019年是中央美术学院新百年之年，在此次的毕业季作品展中，需要去观察、去发现、去记录属于下一个百年希望中的艺术家与作品。2019年6月6日至25日为仍在火热展出的本科生毕业展。艺术的价值是需要被不断挖掘，就如同实现梦想需要不断努力。本次，艺讯网特别推出专题报道，寻觅展览中具有启发性的作品以及艺术家，带给更多观众极具话题性、内涵性、价值性的观察和讨论。
我们通过独特的专题视角“百年洞见”，针对二十五件毕业作品进行了观察，通过多次重构，在毫无头绪、浩瀚如海的作品中寻找一条路径，作为理解的向导。作品分为“肉身观照”、“以物易心”、“物里悟外”、“自见传统”、“未来表达”，五期视角进行逐步推荐。“百年洞见”——期待在央美新百年之际，我们所洞见的艺术与青年，能洞见百年之后的艺术。
“洞见新百年”艺术青年系列专题
第三期视角：“物里悟外”
“物里悟外”的视角，是期待从作品的物质层面出发，悟求出更为广阔的物外之境。艺术来源于社会生活，并牵引着社会生活中最为敏感的情绪。用艺术去理解与认识社会，也是我们掌握世界的重要方式之一。本期所选择的艺术家，他们从各个角度记录自己对当下社会的观看，用物质载体作为艺术叙说的凭证。艺术反映着当下社会的病变，也成为诊断社会的素材。第三期的系列作品，为我们脱离不了的现实社会，寻找着一些批判的趣味。
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王可鑫
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《后鬼怪》
王可鑫
1989年出生于河北秦皇岛。2012年毕业于北京电影学院动画艺术专业，获学士学位；
2015年至今就读于中央美术学院设计学院，
媒体艺术研究方向硕士，导师费俊教授。
参展经历主要包括：
第四届「Y设计」澳门国际毕业设计作品联展
（澳门丽景艺术酒店，澳门，2019），
中央美术学院第六届“论衡”研究生作品展
（中央美术学院，北京，2017），
艺术中国汇”中美艺术高校联盟展
（纽约林肯艺术中心，纽约，2016）等。
作品《罐头》曾获第十一届北京电影学院动画学院奖持永只仁奖等奖项；在校期间获国家“励志奖学金“。
《后鬼怪》
指导教师：费俊
尺寸：可变
材料：Arduino板、红外感应器等
媒介：数字虚拟造像
年份：2019年
导师评语
“《后鬼怪》是运用中国传统鬼怪造像的方法与逻辑，结合数字影像科技，为今天极端异化的平常人造“鬼”像或“怪”像。这里指的“鬼”并非指“神鬼” 而是影射我们每个生活在这个时代人身上可能都具有的鬼怪的生活方式或行为，他制作的系列互动视频就像一面面照妖镜，令我们一边为那些原形毕露的鬼怪颤栗，一边又生怕露出了我们的马脚。”
——费俊
现场视频
是时社会发展，科技进步，古代所谓“奇技淫巧”的科技，既是今天的生产力，也是牟取暴利的手段。我曾走访各处，或见网络媒体，有人好为不端，见者鄙，口诛笔伐，然而骇人听闻之事却仍旧每日都在悄然发生，大概显现者万分之一二。不端而为人知者，众人弃如敝履，不端而未为人知者，难道不是危害更甚吗？干宝的《搜神记》里说道：“妖怪者，盖精气之依物者也。气乱于中，物变于外。”现代人种种的异端行为，无不来自于其异常的心理状态，是谓先自乱而后乱其行，又乱于世。我生活在由技术社会所创造的理性时代，可不也正是因为依托于比比皆是的新科技而使这些异端行为变得更为隐蔽、极端也更具破坏性吗？又闻“怪，异也”、“人妖物孽为怪”。当今时代下的此类人以科技掩遁其形迹，或言逆，或谋害，又聚少成多呈群体极化之势，愈是人前所不能为的，而在人后为之愈甚，是我眼中当世的鬼怪，这便是“后鬼怪”的由来。
王可鑫 &《后鬼怪》
（左右滑动观看）
我从网络或身边取此间诡谲之事，画影图形，希望将所见所闻的异端行为以后鬼怪的形象可视化出来，同时也反观自身，提醒自己：莫自乱而乱行，一夕生“鬼怪”，则去人远矣，实可哀之。
鬼怪形象的创作一直是古往今来艺术家们十分热衷的题材之一，我也对这个题材非常感兴趣，所以也想创作一套属于自己的鬼怪形象。时代发展到今天，我希望我所创作的鬼怪造型具备两个创新点：一是从表现对象上，因为鬼怪具有时代性，后鬼怪是表现当今时代（网络时代、数据时代）下所产生的一些人们的基本问题与诉求；二是从造像方法上，后鬼怪是以数据代替主观想象作为造型参数，其来源实质是现代人的异化行为，其创作基础是依据客观、真实的数据，试图尝试把数据可视化当作一种造型方法从而造出一系列的“鬼像”或“怪像”。
王可鑫 &《后鬼怪》展览现场
在整理相关数据报告的同时我进行了相关的田野调查，最终作品中呈现的三个形象就是田野调查中的代表：女装大佬网红轩哥（化名）、面目慈祥却具有严重网络暴力倾向的医院清洁工老张（化名）、沉迷于网约行为的在校大学生小乂（化名）。当观众走到影像面前时，他们是正常的状态，而当观众离开时他们呈现的是表现他们所具有的异化行为的半人半妖形态。我想表达的是当人与人面对面交流时我们所展现出来的都是正常美好的一面，而当四下无人之时，我们隐藏的另一面就会暴露出来。
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李金朋
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《谷股骨》
李金朋
2016.9-2019.7 中央美术学院 油画系研究生
导师：胡建成 康蕾 第二工作室
在校期间曾担任中央美术学院团委干事、北京青年美术发展促进会 党建管理、油画系学生党支部副书记等。曾荣获奖学金、学生优秀干部、省级优秀毕业生等荣誉；
参与展览：
2016年 青春志·北京市青年美术双年展
今日美术馆、国中美术馆
2017年 丝绸之路国际交流展
中国驻毛里求斯大使馆文化交流中心
2017年 洛杉矶当代艺术特别邀请展
美国洛杉矶、中国美术馆
2017年 当代国际数字媒体展 中华世纪坛
2018年 第八届青春足迹优秀作品展 中央美术学院
2018年 个展 “符码” 李金朋作品展
中央美术学院青年艺术空间
2019年 个展 “符码·山水”李金朋作品展
中央美术学院油画系展厅
《谷股骨》系列由三副作品组合 《谷股骨系列之一白的对话》 《谷股骨系列之二血色沉静》 《谷股骨系列之三黑的降临》。单幅尺寸：80*240CM，材质：布面丙烯 电子视频。作品名称是康蕾老师根据我的和作品创作理念给起的。《谷股骨》系列作品涵盖了自然，社会经济和个人意志和情感的综合表达。
创作灵感来源于股票市场经济数据图，我用业余时间研究股票多年，从中发现很多有意思的想法和创意，一直在思考如何把股票市场经济数据图转换成艺术形式。研究生阶段以股票数据表现图为创作题材，创作了一系列有关股市的作品，这次毕业展只展出了其中三幅。金融是一门抽象的数学学科，金融对城市文明的诞生、古典帝国的兴起以及对世界的探索都发挥了关键的作用。金融思想最早产生于农业文明，因为农民要规划农业活动和耕作行为，要记录关于未来物品交付的承诺。人类最早的书写行为就是古代西亚地区的人们为了记录金融契约而发明的。金融活动催动了用数学方法量化分析风险的发展，也促进了航海时代贸易发展，推动了世界间的文化交流和知识的发展。
《谷股骨之一白的对话》布面丙烯 80 X240CM 2019年
《谷股骨之二血色沉静》布面丙烯 80 X240CM 2019年
《谷股骨之三黑的降临》布面丙烯 80 X240CM 2019年
按照康定斯基的说法，抽象的色块与图形又是精神与情绪的象征，从这个意义上来说，抽象艺术的理论似乎与股票经济所带来的情绪波动有相似之处，对于股票图像的描绘又不仅仅是关于图像与情感的，而是直接表述当代社会经济发展的数据化表征。股票经济数据图表面看非常抽象，我其实想表达的是在抽象的图像下隐藏的跌宕起伏的数据关系，我是用具象的手法来表达抽象的观念。我选取了三次中国股市事件，两次涨一次跌，作为创作依据，延展创作思维。又研究中国古代山水绘画，如五代时期荆浩的《匡庐图》，明代董其昌《秋兴八景图》等，将山的图势与股票经济数据图相结合，以时间为线索，融合了传统与现代，东方绘画与西方绘画相结合，又隐喻了当代消费观念下的山水新表达方式，以时间为线索，形成了一种穿越时空的对话。反复实践了多次，画了很多小稿，最终确定去除繁琐的语言用纯粹的抽象语言来表达自己的观念。
展览现场
我觉得我创作的动力或者是兴奋点也在于此。其中“晴空树”这件作品在展览期间出现了严重的问题，“晴空树”表达的就是一种消磨的状态，这种状态主要出自于打气筒的重复打气，使树枝的不断充盈并产生动作。由于打气筒都是廉价的塑料制品，打气次数越多磨损越厉害，最后导致没有足够的气使树枝抬起来。而这个问题是解决不了的，除非不用打气筒。用更好的技术去解决问题，但又会违背的我的创作意图。为了解决这个问题我重新制定了方案。下一次把“晴空树”的树做小，把打气筒的阵势做大，由十四支打气筒上调至是一百支打气筒在打一颗小树，用一种大阵容的重复动作去完成小树的微微颤动。问题推动我完成作品的深化，我也很接受这种顺其自然去解决问题，并创作作品的方式。作品都不会结束，我觉得它是无休止的变化着，我也像它一样。
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刘佳
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《须臾•万里》
刘佳
2009.09-2013.06，湖北美术学院设计系视觉传达设计专业，学士；
2016.09-2019.06，中央美术学院设计学院，研究方向传统文化的当代应用，导师王川教授，硕士。2018.09-2019.01，巴黎国立高等美术学院交换学习。
参展经历：
2017年12月 摄影作品《350km/h》参与《论衡--第六届中央美术学院在校研究生优秀作品展览》，中国北京。
2018年11月 影像作品《老伴儿》参与《Sun Picture》展览，法国巴黎。
2018年12月 摄影作品参与《城乡变迁中的影像档案与文化建构 通州视觉记忆-大型影像采集及数据管理应用平台》展览，中国北京。
2019年5月 影像作品《须臾·万里》参与中央美术学院2019年硕士研究生毕业作品展，中国北京。作品《须臾·万里》被中央美术学院美术馆收藏。
《须臾·万里》
作品材料 哑光相纸数码微喷、数字影像
创作时间 2019年
视频节选
作品由静态和动态图像两部分组成。静态图像是高铁，高铁350km/h的行驶速度，是当今世界陆上投入运行最高速，代表中国的科技先进和发展高速。300km-350km的时速相当于每秒已移动85m-90m，这个秒和相机的快门速度相对应，故以固定快门速度和固定间隔拍摄行进中的高铁窗外，坚持两年积累近六千张素材。高铁体验主要来自往返于学校和家之间，动态图像（视频）部分是我乘坐高铁回到家后，所见到的两位普通老人的日常生活。视频拍摄时使用照片似的固定镜头等待一切的自然发生。视频大部分采用室内拍摄素材，当行动不便，思维“与时不同”，如何面对人生的夕阳。
刘佳《须臾•万里》展览现场
用时间点属性的静态照片表现高铁所代表的陆上最高速度，用时间段属性的动态视频表现老人最缓慢的移动。我们享受着科技进步的成果，却依然无法避免衰老、疾病、孤独、脆弱。视频中，门前残留半片对联：“儿雄飞万里”，望子在外雄飞，但家中的老人却已行动不便，思维“与时不同”，甚至生活难以自理。他们，以及未来的我们，该如何面对人生的夕阳，有尊严地老去？《论语·里仁》曰：“父母在，不远游，游必有方。”这里“方”的所指是我们无法避免的问题。以图像为媒介，表现社会加速背景下的时间矛盾，社会发展和人的问题，传统中国家庭观念的改变。这种对于人与其所在空间关系、所处大环境关系的把握也是我从2017年参与的北京市视觉艺术高精尖的“通州视觉记忆”拍摄项目开始，以及我在法国交换时拍摄的巴黎系列作品所延续的观察和创作方式。
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白净
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《浮生》
白净
1995年11月生于辽宁沈阳，女。2015年 考入中央美术学院造型学院，就读于油画系第四工作室，2019年 毕业获学士学位，2019年 考入中央美术学院油画系研究生。
《浮生》
200×120×48cm
树脂 树皮 亚克力 丙烯
在自然界中，鳄鱼在水中伪装成浮木。我在作品中则将浮木拟为鳄鱼。画的时候我注意顺应树皮本身特有的纹理，有些地方画了，有些则没有，尽可能地让树皮的质感与鳄鱼皮的质感融合、相互生发。 “浮生”出自《庄子·外篇·刻意第十五》：“其生若浮，其死若休”。意思是说他们生于世间犹如在水面飘浮，他们死离人世就像疲劳后的休息。世间万物虚空无定。鳄鱼生于世间浮于水面，是现实的形象；浮木死离世间随水漂流，是潜在的形象。两者统一并同期存在。鳄鱼与浮木同存，使其具有“现实的”与“潜在的”双重属性。
白净 &《浮生》
现在即是现实的形象，过去就是潜在的形象。在现实生活，随着时间的变化，现在也会变化成为过去。这会增添一种潜在的生活，或者说是一种镜像，这意味着我们生活中的每个时刻都有两面：一面现实，一面潜在；一面为感知，一面为回忆。柏格森认为这种潜在的、回忆的东西会产生似曾相识、曾经经历的幻觉。这是一种现在的回忆，它与现在同期存在，就如同角色与演员的关系。
我所竭力营造的这种幻觉，是我对生活点滴感触的凝聚。鳄鱼潜待猎物时的静及其“死亡翻转”时的爆发力，与树皮表面呈现出的沧桑斑驳以及植物所展现的强大的生命力有一种生命的同构感。
“浮生”指浮于水中的生命，亦指人生。
白净 &《浮生》
作品细节
《浮生》的创作始于一次偶然，2018年的一天我看到画材店有卖树皮，树皮的沧桑和破碎刺激到我，在树皮残破的外表下，我反而感受到其强大的生命力，不自觉地看着看着就出了神，眼前的树皮变得同鳄鱼无异。之后我买过很多树皮，树皮的起伏也与很多事物形似，但我始终认为树皮与鳄鱼最为契合，于是开始尝试用丙烯在树皮表面画画。
2019年1月，我实验的第一只“浮生”完成，但是并没有注入树脂，而是保存了它更多的可能性。随着创作思路的不断完善，2019年3月我开始在各处搜寻适合我创作的原材料——树皮。原生树皮的选择对于我的作品来说至关重要，几经周折，最终遇见两根最完美的原木，并开始创作。
2019年6月作品完成并展出，我希望通过《浮生》，让更多观者也能体会到“幻象”带来的奇妙体验。
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华成
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《破境》
华成
河北保定人 1994年
2014年被中央美术学院录取
2016年作品反转空间荣获中央美术学院创业大赛
最具潜力奖
2017年荣获中央美术学院“E.LAND”奖学金
2019年作品《破境》获得雕塑系本科毕业展三等奖
2019年考取中央美术学院研究生
展览经历：
2016年作品参展雕塑系”我的2016”、足记青春等展览
2017年参加“钢铁之夏”国际青年艺术家创作营
2017年作品，《缚》入围雕塑系“我的2017”展览
2017年作品《我的世界》参加西安国际数字艺术展
2018年作品《缚》参展北京汉威国际艺术中心多彩中国，意象世界展览
《破境》
作品尺寸：180x130x200cm
暗棚尺寸：240x200x240cm
作品材质：镜子、透明树脂、灯带、
灯光转换器、PVC硬质胶板
年份：2019年
在我看来，镜子就像是没有存档的相机，呈现着我们生活最真实的面貌。每个人都有一面现实的镜子，或许我们就在这一次次“击碎”的过程中，被支离的碎片彻底吞噬，沉没其中。微光顺着缝隙闪烁，冰冷、机械，刺痛着早已无法复原的伤痕。而现实，本就是破碎的，雕塑置于破碎的镜子空间之中，是破碎与破碎的无奈对视，那是无数个镜子里面的你我。这究竟是伤痕累累的“破镜”，还是命中注定的“破境”……
华成 &《破镜》
我主要研究材料的各种特性与装置艺术的应用，希望创造多种艺术表现形式。我认为“装置艺术是一种开放的艺术手段，就是“场地+材料+情感”的综合展示的一种方式，通过不断尝试与实验最终得到我想要的效果”。我创作的灵感来源于我对镜子这种材料的研究，我研究镜子这种材料有俩年多了，我认为镜子是一种很有语言性的材料，也有许多知名当代艺术家在使用这种材料，斯蒂芬·纳普、草间弥生、埃利亚松都是我很崇拜的艺术家，而我对镜子的研究在于它被敲击后的裂纹极具材料特性的纹路感和材质所带来的伤害感，结合我自身所经历的伤害、迷茫、困境，我反复试验了镜子这种材料很多次，对这种破碎镜子所触发的伤感和美感所吸引，引导着我完成了这件作品。
华成 &《破镜》
在创作的过程中，我经历了很多曲折和失败，也收获了很多，有时候在创作中总希望去表达更多的技术与思想，希望去展现全部的自己，而到了创作的中后期才明白做创作其实是一件直接的事情，有时候需要做减法，我需要最直接的展现我的情绪和感受，将创作的核心尽量的表达清楚，我认为公共艺术方向的作品它不是一件私人的作品，不是我自说自话，而是希望能通过我的作品表达出来的情绪去感染更多的人，去达到与观众情绪上的互动与共鸣，这也是我希望能够做到的事情。
作品自述及图片均由艺术家提供
撰文丨 林路
编辑丨 张译之
毕业季展览现场图丨胡思辰
CAFA毕业季观展指南 👇
26分钟前
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——TRAVEL WITH ART——
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